POSICIONES EN LA GUITARRA, ACORDES 4ª, 5ª Y 6ª CUERDA, DROOPS Y PRINCIPIOS DE CHORD MELODY.

December 30, 2013

Cuando nos enfrentamos a un instrumento como la guitarra debemos tener en cuenta que es uno de los instrumentos que contiene más posibilidades técnicas en cuanto a las  digitaciones, por lo tanto en este artículo nos concentraremos en ver las digitaciones, separando tres puntos básicos: Acorde, arpegio y escala.

 

La guitarra cuenta con cinco posiciones, las cuales están construidas en base a las estructuras de los acordes abiertos (acordes con cuerdas al aire) de:   C MA7, A MA7, G MA7, E MA7, D MA7 las cuales denominaremos posición 1, 2, 3, 4 y 5 en el mismo orden.

 

Las posiciones que mencionamos anteriormente derivan otras posiciones cerradas (sin cuerdas al aire), las cuales varían su ubicación dependiendo de la tonalidad a la que nos refiramos. Debemos tener en cuenta que a partir de cada tonalidad tenemos modos como Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico y Locrio, tomando como punto de partida el modo Jónico, por lo tanto todas las posiciones mencionadas contendrán dichos modos con una función específica dentro de cada tonalidad, conformando las escalas para cada acorde. De la misma forma cada posición tendrá acordes y arpegios mayores, menores, dominantes y semi-disminuidos; teniendo en cuenta la función armónica que cumpla dentro de la tonalidad.

 

Conociendo y aplicando lo anterior a nuestro conocimiento de la guitarra se ampliaran nuestras posibilidades en la digitación de este instrumento.

A continuación veremos las cinco posiciones abiertas con las cuales podremos conformar las posiciones cerradas.

Las posiciones cerradas están conformadas en base a las posiciones anteriores, solamente que al variar el centro tonal necesitaremos el uso de la cejilla. A continuación veremos las cinco posiciones cerradas en la tonalidad de D MA7, de esta forma podremos ver el uso de la cejilla, también podremos observar cada posición con los acordes respectivos, y el modo al que corresponden dentro de el centro tonal; para posteriormente comprender los arpegios y escalas. Debemos tener en cuenta que es muy positivo tocar las cinco posiciones y los siete acordes de cada modo en todas las tonalidades, para de esta forma facilitar las digitaciones de las escalas y los arpegios en todas las tonalidades.

 

 

 

 

 

ARPEGIOS Y ESCALAS EN LAS 5 POSICIONES.

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Como vimos en la primera parte del artículo Posiciones (Abiertas base y Pos.1, 2, 3, 4 y 5 cerradas) tenemos cinco posiciones, y cada posición está compuesta por siete acordes. Teniendo en cuenta que cada acorde tiene su respetiva escala y arpegio, tendremos un más amplio conocimiento de la guitarra que nos permitirán realizar improvisaciones con mayor facilidad.

De cada acorde se desprende una escala (modo), debido a que estamos enfocando las posiciones a partir del modo Jónico, entonces la posición de esta escala será la base para las digitaciones de los distintos modos. Ya que cada una de las posiciones tiene un formato distinto del modo Jónio, tendremos cinco formatos de esta escala y la misma digitación para cada modo en las cinco posiciones solo que partiendo de diferente tónica. En cuánto a los arpegio tomaremos como base las posiciones de cada acorde, ya que las notas que contiene cada acorde son las mismas del arpegio.

A continuación explicaremos el procedimiento a seguir para las digitaciones de las escalas y los arpegios sobre una posición con base en los acordes, el cual se deberá seguir de la misma forma para las otras cuatro posiciones y en todas las tonalidades.

 

 

 

 

Como vimos en el ejemplo anterior los acordes son la base para las digitaciones de cada escala y arpegio, el formato del acorde nos permite ver claramente la digitación del arpegio, por lo cual entre mas vocabulario de acordes tengamos la improvisación será mucho más sencilla, ya que al visualizar los acordes tendremos innumerables posibilidades cuando necesitemos improvisar sobre cada acorde. En cuanto a las escalas podemos observar que en base al formato del modo Jónico en cada posición podremos obtener los distintos modos de la tonalidad. 

 

VOISINGS.

De 4 notas en 4, 5 y 6 cuerda.

(II MI7 - V7 - I MA7) (II MI7b5 - V7 - I MI7)

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Este tipo de voisings están conducidos a partir de las inversiones en (7, 6/5, 4/3, 4/2) están conformados por cuatro notas por lo tanto estarán ubicados desde la cuarta, quinta y sexta cuerda.

En este caso la conducción de los acordes las aremos en torno a las progresiones más utilizadas en el Jazz (II MI7 / V7 / I MA7) y (II MI7b5 / V7 / I MI7), por lo tanto veremos a continuación la conducción de los acordes desde la cuarta cuerda, luego desde la quinta cuerda y posteriormente desde la sexta cuerda, comenzando con cada inversión en sentido descendente, desde las sonoridades mas agudas hasta las mas grabes.

Los acordes que veremos a continuación son los acordes de séptima con sus respectivas inversiones conducidas sobre una progresión, en varios casos también podemos ver estos acordes con extensiones como (9ª, 11ª y 13ª) utilizando el mismo formato de los acordes de 7ª, solamente que remplazaremos algunas notas del acorde por las extensiones mencionadas, manteniendo las estructuras de cuatro notas.

En el caso de la 9ª remplazaremos la tónica del acorde por la nota de esta extensión dándonos como resultado otros acordes. En el caso del MI7b5 omitiremos el uso de la 9ª debido a que este tipo de extensión no se podría conducir, al ser la 3ª mayor de la tonalidad en menor por lo que la conducción y la sonoridad serian problemáticas.

 

Ej. D MI7 / G7 / C MA7                

      D MI9 / G9 / C MA9 = F MA7 / B MI7b5 / E MI7

 

      D MI7b5 / G7 / C MI7

      D MI7b5 / G7b9 / C MI9 = D MI7b5 / B dism. / Eb MA7

 

Con respecto a la 11ª remplazaremos la quinta del acorde por la nota de esta extensión, en el caso de los acordes mayores y dominantes la quinta será remplazada de la misma forma por la 11ª pero en este cazo será por la 11#.

 

Ej. D MI7 / G7 / C MA7   

     D MI11 / G7#11 / C MA7#11

    

     D MI7b5 / G7 / C MI7

     D MI7b5 / G7 / C MI7 = D-7b5 sus 4 / C7 sus 4 / C-7 sus 4

 

En el último caso la 13ª, remplazaremos la 7ª por la 6ª que es la misma sonoridad de la 13ª. 

 

Ej. D MI7 / G7 / C MA7

      D MI6 / G13 / C MA6 = B MI7b5 / E MI7 / A MI7

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

DROOPS 2, 3 y 4.

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Como vimos anteriormente en los acordes de cuatro notas, hay acordes en los cuales todas las notas son muy grabes, siendo mas específicos en los acordes de la sexta cuerda. Por esta razón necesitaremos utilizar los droops para encontrar otras sonoridades más agudas que posteriormente nos facilitaran la elaboración de los Chord Melody y acompañamientos en dúos y tríos, estos nos permitirán poner notas agudas que nos darán la melodía, notas grabes con las que tendremos el bajo o el Walkin Bass y notas de sonoridad media que nos brindaran un color, o en otras ocasiones notas estructurales del acorde (Tónica, 3ª y 7ª).

Los droops consisten en subir una nota a la octava, exceptuando la tónica, debido a que esta cambiara la inversión del acorde. Esta no es una regla estricta a cumplir, pero si se debe tener en cuenta que utilización es la que le queremos dar al acorde con droop.

Como mencionamos anteriormente, los acordes de cuatro notas en la sexta cuerda tienen sonoridades muy grabes, por lo que utilizaremos los droops. En el cazo del droops 2 subiremos una octava la segunda nota mas grabe, en el del droop 3 subiremos unas octava la tercera nota mas grabe y en el cazo del droop 4 subiremos una octava la cuarta nota mas grabe.

Otra posibilidad que tenemos es utilizar 2 droops, que nos permitirá formar otras organizaciones de acordes, por ejemplo droop 2-3 en donde subiremos a una octava más aguda la segunda y tercera notas mas grabes del acorde.

También podremos encontrar algunas duplicaciones de notas, que nos permitirán tener acordes con una sonoridad mas llena, en la mayoría de cazos las notas que duplicaremos serán la tónica y la quinta del acorde, debido a que si duplicamos la tercera o la séptima del acorde la resolución no será tan satisfactoria y en el cazo de duplicar alguna extensión el acorde tendrá una sonoridad distinta que nos quitara la posibilidad de poner otra extensión, o alguna nota estructural del acorde que nos brindara una mejor sonoridad.

A continuación veremos un ejemplo de los droops, debemos tener en cuenta que así como hay estructuras estándar para los acordes de las posiciones (abiertas-cerradas) y para los acordes de cuatro notas desde la 4, 5 y 6 cuerda, también tendremos estructuras estándar para los acordes con droops, solamente que son tantas las posibilidades de acordes con droops que es aconsejable construir un buen numero de acordes que funcionen y adaptarlos a nuestro lenguaje personal.

 

CHORD MELODY (CON ENSAMBLE Y SOLO).

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El Chord melody es una de las herramientas mas importantes para enfrentarnos a una canción, ya que este nos permitirá tener la armonía y la melodía del mismo. Esta herramienta también nos concederá la posibilidad de tener un mejor acompañamiento al tener un mejor control sobre la conducción de los voisings y de la misma forma tener en cuenta la nota más aguda y mas grabe de cada acorde, lo que nos permitirá hacer contra melodías en el acompañamiento.

 

Cuando realizamos un chord melody debemos tener en cuenta que lo mas importante es la melodía, por lo cual los otros planos sonoros como el bajo, el ritmo, las contra melodías, las extensiones en el acorde y las improvisaciones que se hagan al interior de la exposición del tema deben ser en función de acompañar y ornamentar la melodía, por lo tanto no pedemos permitir que la melodía en ningún momento desaparezca o sea confusa y se le de mayor importancia a los otros factores ya anteriormente mencionados, por lo cual, cuando lo elaboremos debemos tener en cuenta un perfecto balance entre los planos sonoros del mismo.

 

Podemos utilizar de dos formas el Chord melody, la primera opción será como solista y la segunda con ensambles, para la primera opción los voisings que utilizaremos serán con bajo (La tónica o el bajo al que corresponda la inversión), texturas de tres notas en adelante incluyendo la duplicaciones de notas y la utilización de extensiones. Para la segunda opción utilizaremos voisings sin tónica, aunque no es una regla indispensable a seguir, pero se debe tratar de solo colocar notas estructurales del acorde como la tercera, la quinta, la séptima y las extensiones respectivas de cada acorde.

 

Para el uso de las extensiones tendremos en cuenta que para los acordes MAJ 7 se utiliza la 9ª, #11ª, 6ª o 13ª y la 11ª en el caso de MAJ 7 sus 4.  Para MI7 utilizaremos 9ª, 11ª, 6ª o 13ª. Par el caso de los -7b5 la 11ª. Para el cazo de los Dom. 7 utilizaremos 9ª, b9ª, #9ª, 11ª, #11ª, 13ª y b13ª dependiendo de la tonalidad en la que nos encontremos, el acorde anterior, la resolución (El acorde posterior) y la conducción de las voces incluyendo el bajo, la melodía y las notas al interior del acorde.

 

Cuando elaboremos chord melody con o sin ensamble debemos tener en cuenta que podemos utilizar introducciones, interpolaciones y extensiones sobre la forma. Las introducciones las utilizaremos antes de que comience la melodía principal de la canción, utilizando una de las siguientes posibilidades, o mezclándolas entre ellas:

 

-Utilizar los últimos cuatro u ocho compases armónicos de la canción con algunas re armonizaciones, dependiendo de la duración que se desee. De la misma forma si se quiere utilizar pequeños fragmentos de la melodía o motivos que caractericen la canción bien sean rítmicos o melódicos de cualquier parte de esta, se pueden tomar para anticiparle al oyente en la introducción la melodía principal de la canción.

-Improvisar una línea melódica sobre una progresión armónica creada en una tonalidad cercana, o en su caso, dependiendo de lo que se desee, en una tonalidad lejana que al estar mas cerca de la melodía principal retome la tonalidad de la canción, o en otro caso un elipse (Progresión de acordes dominantes que se resuelven posteriormente).                                

-Tomar el motivo final o inicial de la melodía rearmonizando su progresión armónica, variando el ritmo o dejándolo idéntico.   

-Tomar una progresión armónica de otra canción, bien sea en la misma métrica o en otra y ajustarla a la métrica de la canción que vamos a trabajar. Si esta en otra tonalidad trasportarlo a la tonalidad de la canción que vamos a abordar, o en otro caso ajustarlo para que cuando vaya entrar el tema principal, la armonía se dirija a la tonalidad de la canción.

 

Las interpolaciones las utilizaremos hacia el interior de la canción bien sea como un puente, para extender alguna parte de la forma, que deseemos enfatizar siempre y cuando sea de un número considerable de compases, entre dos, cuatro u ocho preferiblemente. A continuación veremos algunas formas para hacer interpolaciones, de la misma forma que en la introducción podremos combinarlas, o tomarlas tal cual están descritas a continuación, y son las siguientes:    

 

-Agregar una progresión armónica al interior de la canción con una duración de entre dos, cuatro u ocho compases preferiblemente, dependiendo de lo prolongado que deseemos que sea el puente. Esta progresión puede ser nueva, o una rearmonizacion de alguna progresión de la canción.

-Hacer una pequeña improvisación sobre una rearmonizacion de la canción o una progresión nueva que una la parte anterior y la posterior del fragmento que estemos trabajando.

-Hacer un acompañamiento sobre una progresión de la canción de entre dos, cuatro u ocho compases y repetirla, o hacer el acompañamiento sobre una rearmonizacion de alguna parte de la canción, o en otro caso en una progresión nueva que comunique las dos secciones que separa el puente.

-Alargar una sección de la canción, bien sea rítmicamente por medio del rubato (Alargar el tiempo con un pulso mas lento que el anterior determinado por el fraseo) o en otro caso alargar la progresión armónica por medio de rearmonizaciones.

 

En cuanto a las extensiones de la forma, estas las utilizaremos hacia el final de la canción, a manera de coda justo al final de la canción. Estas podrán tener una duración de entre cuatro y ocho compases o mas dependiendo de la duración que deseemos, es aconsejable que la cadencia del final de la extensión sea mas fuerte que la cadencia final de la canción, por lo cual debemos hacer una serie de rearmonizaciones que generen mas tensión, para que así la cadencia del final resuelva todas las tenciones que hemos acumulado en la progresión anterior. Podremos utilizar varias formas de realizar dichas extensiones, de la misma manera que vimos las introducciones he interpolaciones anteriormente, y son las siguientes:

 

- Crear una melodía cadencial usando motivos rítmicos y melódicos de la canción sobre una re armonización de la melodía o una armonía nueva.  

- Usar progresiones armónicas de la canción con una nueva melodía.

- Realizar una improvisación que nos lleve a una cadencia más fuerte.

 

 

“Esperamos esta información sea de su utilidad un cordial saludo M&A music LAB.”

 

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